Entrevista: Mar Coll




Mar Coll

Un cine salido del estómago



Mar Coll llegó al panorama del cine nacional pisando fuerte con Tres días con la familia con la que ganó el Goya a la mejor dirección novel en 2010. Nacida en 1981 en Barcelona, estudió en la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya) dirección y actualmente imparte clases en la misma escuela. Su cine destaca por ser muy persona, escribe también los guiones de sus películas,l y centrado en los núcleos familiares de la vida catalana. Mañana se estrenan en los cines su nueva película, Todos queremos lo mejor para ella y hemos tenido el placer de que nos hiciera un hueco en su apretada agenda para una pequeña entrevista. La encontramos en la antigua fábrica de cerveza Moritz en Barcelona en donde, pese a su timidez, atendió a cada una de las preguntas durante la rueda de presa y en la que después nos dedicó unos minutos. 

¿Cómo llegó a tus manos la idea de esta nueva película?

No llegó a mis manos porque salió de mi estómago (ríe). Realmente, es una idea que surgió de mí misma; de la idea de que quería hacer una nueva película y tenía ganas de escribir. Siempre son muchas cosas las que influyen en la idea de un nuevo proyecto; una mezcla de cosas que te preocupan, que te emocionan, que te conmueven... Elementos externos que están pasando en el momento y empezó así.

Es decir, que esta historia surgió de dentro tuyo

Sí, es decir, surge de una constatación del esfuerzo que a veces representa estar a la altura de la imagen que quieres proyectar. Intentamos ser personas centradas, intentamos ser personas equilibradas que se puedan desarrollar en cualquier espacio, que puedan superar situaciones adversas, valientes... Y, bueno, todo esto está muy bien pero sí que genera un esfuerzo, un estrés, que todos podemos entender. No hablo de situaciones extraordinarias, hablo de nuestro día a día. Entonces, cuando me siento a escribir, había pasado recientemente que unos conocidos habían pasado por accidente traumático y debido a esto habían cambiado. Yo veía un esfuerzo en ellos por llegar a ser un determinado tipo de persona, pero en vez de ser un esfuerzo que se lleva por dentro era uno muy visible. Y esto me llamó la atención. Son procesos inconscientes, ahora lo entiendo así pero al conocer estos casos conecté con algo que a mí me preocupa realmente y que me conmueve. Así decidí que la protagonista de mi próxima película sería una persona que hubiera pasado por esta situación y como este esfuerzo se traduce en su día a día. Era también muy interesante recrear este entorno, un entorno preocupado, el que tiene la expectativa de que vuelva la imagen que se proyectaba antes. Por eso, en cierta manera, esta película habla de la identidad, de quiénes somos realmente. Hay alguna esencia o es un tipo de mezcla de lo que la gente piensa, lo que tú quieres que piensen, lo que te ha pasado... Nuestra identidad no es muy compacta. Estas son reflexiones que yo siempre he tenido, que siempre he pensado y que cristalizaba muy bien en esta historia. 

Precisamente, por lo que decías del entorno, la película se llama Todos queremos lo mejor para ella pero a veces dudas. ¿Seguro que quieren lo mejor para ella o para ellos?

Sí, realmente es muy simpático porque hay gente que ve en el título una ironía, por ejemplo, pero yo no creo que sea un título irónico pero sí es un título que en él mismo está el conflicto. Está el misterio de la película. Todos queremos lo mejor para ella, pero ¿qué quiere ella? Es evidente que habrá una confrontación en este sentido. Pero yo veo en este entorno que las intenciones son realmente lo mejor para ella pero no siempre sale bien. Yo creo que nos podemos identificar mucho con los personajes de esta familia, que a veces quieren lo mejor y se equivocan. Con su esfuerzo pero no solo desde una posición antagónica, sino como víctimas de la situación. Desde una negación de la pérdida que están viviendo pero que no quieren asumir. Todo cambio implica una pérdida, es normal resistirse al cambio pero no se puede hacer nada. 

De alguna manera la protagonista también vive esto, ya en el personaje de Mariana se ve a ella misma. Una imagen idealizada de lo que quiere ser pero que tiene que romper con eso porque eso no es posible.

Totalmente, el personaje de Geni también quiere lo mejor para Mariana pero también la caga, como hacen los demás con ella. Mariana también se siente presionada, se siente agobiada y se siente incómoda. Ella mismo lo dice, que no se siente cómoda en esta especie de situación, de imagen que Geni se construido de ella. Es una especie de eco de lo que pasa en la familia de Geni.

¿Se superponen un poco? En una escena en la que se encuentran las dos, Geni parece que se confiesa con ella misma.

Más que eso es una verbalización de una serie de cosas que no podrían pasar sino en ese espacio. Ella no puede verbalizar porque hay una negación y eso es un drama. Pero ninguno quiere verlo como un drama, todo el mundo quiere que todo esté perfectamente, todo el mundo quiere que todo vaya como antes. No interesa lo problemático, lo dramático. La gente lo que quiere es lo estable y es natural, es algo que no veo como malo. Yo misma quiero estar cómoda y estable. No hay juicio hacia esos personajes. No es que Mariana sea un alter ego de Geni, es más bien la mirada que Mariana tiene de ella. Es una mirada mucho más atractiva para Geni, es una mirada que conecta con la Geni adolescente. La mirada de Mariana no lleva con ella el estigma del accidente que es algo que le pesa mucho a Geni. Por el trato de accidentada que niega desde el principio, es algo de lo que quiere huir. Ella quiere ser la chica del viaje, la chica de la aventura y no la del accidente. Ella quiere ser la Geni que Mariana cree que es. Y por eso, lo que decía antes, el tema principal es la identidad. Nosotros no somos solo una única persona. Con Mariana es de una manera, con su familia es otra. 

Por eso el final de la película es una vuelta a la adolescencia. ¿Eso no es, de alguna manera, malo para el personaje?

Bueno, lo veo un gesto adolescente el mejor sentido de la palabra. Yo creo que hay cosas de la infancia y de la adolescencia que no deberíamos de dejar de hacer. El viaje, la escapada, esta especie de pack de libertad es un sentimiento muy adolescente pero en cuanto a lo poético, a lo social. Pero, de todas formas, creo que es un final muy interesante y valiente. No es no solo una cosa, es un punto dramático porque vemos que hay una ruptura final, definitiva, con la Geni que murió en el accidente. Pero no solo es dramático, es también luminoso porque también es una huida pero hacia delante, mirando hacia atrás y reconociendo que no es igual y nunca será igual, y continuar hacia delante. 

Los intervalos musicales, con piezas de Jazz recuerdan mucho al cine de Woody Allen. ¿De alguna manera el cine de este director te ha inspirado?

El cine de Woody Allen no solo me ha influido como cineasta sino que me ha construido como persona. Es un director muy prolífico, no he visto toda su obra pero sí su inmensa mayoría y es un director que me encanta. Lo que sí que me gustaría compartir con Woody Allen, además del entorno en el que se desarrolla, es la forma en la que retrata las situaciones no siempre desde el punto de vista más dramático, extremo. Hay una película que me gusta mucho de Woody Allen, Desmontando a Harry, que es como una celebración de la vida. Me gusta mucho la óptica con la que mira las cosas, yo comparto con él muchas cosas porque he entendido la vida a través de sus películas. 

De hecho en esta película hay contrapuntos humorísticos para romper un poco con lo dramático de la historia. 

Sí, es una cosa que sirve un poco para romper la tensión dramática pero que salieron solos. No es una cosa impuesta de "vamos a hacer un poco de comedia". Conforme íbamos revindicando este personaje que es tan torpe, esa gracia natural que tiene Geni con esa mirada que tiene tan pura, tan ajena a los prejuicios o las capas, tiene una relación tan directa con las cosas. Le teníamos mucha simpatía, nos encantaba y nos estábamos enamorando de ella y por eso no veíamos su situación tan dramática. Nos interesaba mucho su mirada que, en cierta manera, desenmascara lo absurdo. Además están sus hermanas, que todas tienen elementos absurdos que queríamos subrayar.

El personaje de Geni quería liberarse de la presión familia. ¿Mar Coll también tenía que liberarse de la presión de Tres días con la familia?

Sí, bueno, es una cosa inconsciente. En el proceso creativo si tienes todo muy marcado sale una cosa impostada, y efectivamente todo este tema de exposición mediática que pasas que generas como personaje semi-público. Sí, todo este tema de la imagen que proyectas, toda la importancia que tiene es una trampa. Yo siempre lo he visto como una trampa que conecta directamente con tus emociones. Sí, seguramente esto influyó en el proceso de creación. Cuando estás metido en un proyecto es inevitable que las cosas que te conmueven aparezcan dentro de la historia.

Quería preguntarte sobre el aspecto formal, con estos planos que siguen a los personajes, un poco voyeur, ¿Cómo ha sido el trabajo con Neus Ollé, la directora de fotografía?

Se mezcla un poco con la escritura, no queríamos condicionar. No es una cámara narrativa sino observadora y el espectador crea sus propias ideas. No es que no sea amiga del efectismo, a veces funciona, pero en mi caso trabajo mejor con una imagen algo más sobria y con la que el espectador pueda hacer su propia interpretación de la situación. No está construido. No creo en las construcciones artificiosas pero creo también que hay un trabajo de espiritualización, por ejemplo en los fueras de campo que son muy importantes. Porque la vida a veces no se entiende a la primera, también la tienes que construir. El trabajo con Neus en la cámara busca eso, también apoyado con el trabajo de la luz que es un poco espiritualizadora, con estos interiores que tienen tantos contrastes entre la oscuridad y la luz. Es una luz muy bonita, de un gusto exquisito.  

¿Tiene algún nuevo proyecto que le salga del estómago? 

Seguro que saldrá del estómago, no tengo ninguna duda (ríe) pero de momento no.   




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